En un tiempo la belleza y la imitación de la realidad eran el objeto del arte. Mirar una pintura era como mirar el mundo a través de una ventana. Ese tiempo se acabo. Ahora, partir de las ultimas décadas del siglo XIX, cualquier cosa puede pasar por arte... un pedazo de periódico pegado a una pintura, un cuadrado negro, Jesucristo colgando de un gancho, un urinal puesto en una galería de arte, los cachos de un toro en un marco, mostachos en Mona Lisa, una canva blanca, el cuerpo descuartizado de una vaca en una exhibición artística y así por el estilo. Al dejar de ser imitación todo fue factible. El arte, en el mejor de los casos, dejo de ser un concepto cerrado y al volverse pluralistico su definición se ha tornado bien problemática, por no decir imposible, según muchos críticos ¿Significa que el arte carece de propiedades comunes y que, de alguna manera, ya no podemos hablar de su universalidad? ¿Si la reproducción de un tarro de sopa Campbell puede ser arte se sigue que todo es arte? En buenas cuentas ¿hemos llegado al fin del arte?
Hegel predijo hace ya un tiempo que el arte tal como se conocía en su época llegaría a su fin. A pesar del compromiso de los románticos en su elogio del arte en los últimos 200 años la idea de que este ha llegado a su fin ha sido un tema recurrente, sin contar que Platón hace ya mas de dos siglos ni siquiera le dejo lugar a los poetas en su ciudad ideal y coloco al arte en el peldaño mas bajo de la existencia junto con las sombras, los sueños y las ilusiones que solo son meras apariencias.
Si miramos la historia del arte generalmente se la ha pensado como la progresión linear de diferentes estilos o movimientos. Del Romanticismo al Realismo, del Impresionismo al pos-Impresionismo, etc. Esta línea temporal implícitamente contiene ciertas ideas acerca de lo que el arte es, de lo que fue y hacia donde se dirige. Una de las ideas que invariablemente aparece es la de mimesis, la imitación y representación de la naturaleza o de nuestra vida interior como ultimo gol. La imitación del cuerpo humano, por ejemplo, que comienza en la Grecia clásica adquiere cada vez mayor verosimilitud con la ayuda de una seria de descubrimientos como la perspectiva, el chiaroscuro y la fisonomía, alcanzando todo su esplendor en el Renacimiento. Esta progresión de la representación de la realidad, que domino gran parte la narrativa de la historia del arte, empieza a perder influencia durante el siglo XIX con el nacimiento de la fotografía y el cine que obligaron al artista a abandonar la imitación de la naturaleza para empezar a explorar nuevas formas. El cubismo en los comienzos del siglo XX, por ejemplo, cuestiono los procesos de representación visual y Marcel Duchamp exhibe un urinal que pasa como obra de arte dando origen a una sucesión de diferentes movimientos e “ismos”, todos con su propia noción de lo que el arte debería ser. Con lo que nos quedamos al final, dice el filosofo Arthur Danto, es con un arte transformado en un puro pensamiento acerca de si mismo, un objeto de su propia consciencia teorética. La gran narrativa de la progresión lineal, de un movimiento respondiendo a otro, ha terminado. El arte ha alcanzado un estado pos-histórico. Todo lo que queda es pura teoría. Después del 2000 no hay movimientos o “ismos”. Cuando el arte se hace consciente de su propia historia, como en nuestra época, es inevitable que se vuelva finalmente hacia la filosofía. Y cuando lo hace, el arte ha llegado a su fin. Algo que los artistas y la industria asociada con ellos no ven con mucha simpatía.
Lo que sorprende en la obra de Warhol no es su contenido, sino su forma. Mucho mas chocante que sus representaciones de botellas de Coca Cola y tarros de sopa Campbell fue su escultura de una caja de jabón Brillo. La caja del artista era indistinguible de la actual caja de jabón Brillo. Si uno coloca una al lado de la otra no es posible ver ninguna diferencia... ¿qué es lo que hace, entonces, que una sea una obra de arte y la otra un objeto ordinario? Lo que hace la diferencia, dice el filosofo George Dickie, es una cierta teoría del arte. Es ella la que coloca la obra dentro del mundo artístico. Las cajas de jabón Brillo de Warhol son arte porque la obra tiene una audiencia que la comprende gracias a una cierta teoría que dice lo que el arte puede ser. El mundo del arte, compuesto por críticos, coleccionistas, comerciantes, salas de exhibición, museos, etc. juegan un papel importante en la elección de que teorías se adaptan o cuales son rechazadas.
La interrogante implícita es, obviamente, porque estas llamadas teorías cambian a través del tiempo ¿Qué dirían, por ejemplo, los pintores neoclásicos de la obra de Warhol? ¿Cómo los artistas del Renacimiento o del medio evo reaccionarían frente a ella? Mas aun ¿estas obras representan algún tipo de progreso?
Según Danto hemos entrado a la edad del pluralismo en donde una dirección es tan buena como otra. Muy bien puede ser que este periodo pos histórico del arte traiga obras carentes de la importancia o del significado que pudiéramos esperar. Sin embargo, a pesar de ello, los caracteres artísticos van a continuar viviendo felizmente, libres de las grandes narrativas, haciendo lo que ellos siempre han hecho.
¿Y que es esto que siempre han hecho? Cualquier respuesta que se pueda dar va a ser bien controversial y la prueba es que hay cientos de libros y artículos sobre el tema y, para decir lo menos, a través de las centurias el termino arte ha cambiado varias veces problematizando su definición hasta el punto que algunos sostienen que el termino es indefinible.
El arte es esencialmente histórico y, según se dice, comienza con la era de la imitación, seguido con la era de la ideología, seguida, en nuestra época, con la era pos-histórica en donde la obra no tiene que tener una forma especial. La imitación al estilo del Giotto o Cimabue, aunque no ha sido invalidada por la fotografía o el cine, ya no puede ser parte de la definición del arte. Otras culturas, al igual que el Modernismo y el arte contemporáneo, están llenos de ejemplos que no son imitación y, como si esto no fuera suficiente, no sabemos que arte traerá el futuro.
¿Qué hace, entonces, que un objeto entre a formar parte del mundo del arte, a pesar de todos estos cambios? Según el filosofo Arthur Danto, que se suma a la controversia artística, una obra es arte si tiene un objeto sobre el cual se proyecta alguna actitud o punto de vista, digamos un estilo, a través de elipsis retoricas que invitan al espectador a llenar lo que falta de acuerdo a su contexto histórico.
A diferencia del anti esencialismo posmodernista que ve el arte como un concepto abierto, Danto sigue la tradición esencialista. Es cierto, dice, que la lógica de la historia del arte lo hace aparecer como un concepto abierto. El arte griego fue mimético y el Romanesco difícilmente califica como tal. El arte abstracto muestra que la imitación no forma parte de la esencia del arte y tampoco la abstracción. En buenas cuentas no sabemos realmente que pertenece y no pertenece al arte. El problema, sin embargo, es que, a pesar de esto, los filósofos, entre otros, concluyen demasiado pronto que el arte es un concepto abierto porque no pueden encontrar un conjunto de propiedades visuales comunes. Cuando se dice que no tiene propiedades comunes, es porque se buscan solo propiedades visibles. Pero, en realidad, dice Danto, son las propiedades invisibles las que hacen que algo sea arte.
Con el advenimiento del fin del arte, cualquier objeto cuotidiano califica como candidato artístico y la diferencia entre el reino utópico de la creación artística y el mundo diario se vuelve borrosa. Según Danto, Warhol creo la “Caja Brillo” con la intención de que fuera arte. Luego, fue arte. El acto de reconocer la intención artística en un objeto significa que el observador del arte acepta que hay algo mas allá del objeto material para interpretar y que la interpretación de las señales no visuales de la obra artística demanda una teoría del arte como pre requisito para que esta sea aceptada dentro del mundo artístico pos-histórico.
Esta teoría no debe pensarse como un conjunto de conceptos artísticos trascendentes, sino como una cuestión de contexto histórico. Así por ejemplo la inserción de trabajos de arte como el Urinal de Duchamp o el Tarro de Sopa Campbell de Warhol, que no hubieran podido ser percibidos como Arte en el pasado, indica que un cambio histórico ha ocurrido en el poder creativo con el que el arte se produce. En esta era del arte pos-histórico el arte se asocia ahora con la libertad completa en la elección de estilos artísticos.
¿Qué es, entonces, lo que permite decir que las pinturas de Altamira, las Mascaras Africanas, los Moai de la isla de pascua, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, Desnudo Descendiendo la Escalera de Duchamp, la Pintura de Reloj de Salvador Dalí, El Beso de Lichtenstein o los Abrigos de Pieles Manchados con Pintura de David Hammons son arte? Si no hay nada que ligara todas estas obras... ¿cómo sabríamos que ellos son o no son arte?
Según Danto el arte es acerca de algo que materialmente manifiesta un significado temporal. Es la encarnación de una idea o significado y, tal vez, esto sea todo lo que se requiere para una teoría filosófica acerca de lo que el arte es. Cualquier estilo, dice, puede ser usado y los significados inherentes en cada estilo histórico son únicos e inconmensurables a través de los diferentes periodos históricos. Cualquiera sea el caso, el arte es mas que una forma o diseño. Uno tiene que saber algo, por ejemplo, acerca de rayos y relámpagos para captar el poder de Zeus cuando el los sostiene en sus manos. Uno tiene que saber algo acerca del sacrificio para ver como Cristo puede ser retratado como un cordero. Y uno tiene que saber algo acerca de la idea de los derechos del animal para captar el significado de los abrigos de pieles manchados con pintura para entender la obra de David Hammoms. Cada abrigo arruinado es un cuadro de crueldad y moda. El Tarro de Sopa Campbell de Warhol tiene sentido solo en el Pop Art de 1961, pero no en la edad del Rococó. En la ilusión artística el lugar común se transforma en algo asombroso.
El objetivo de la interpretación artística, entonces, no es un esfuerzo manipulativo, como pudiera pensarse, sino que es el intento de “captar la metáfora que siempre esta ahí”.
Nieves y Miro Fuenzalida.
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